Una ragazza si infila in un cinema, si toglie gli stivali, poggia le gambe sul sedile di fronte e si rilassa di fronte al film. Relax che dura poco dato che uno strano individuo la osserva dalle ultime fila, finché non sfodera i canini e alla povera (?) giovane non resta che scappare.

Eros Bosi lo fa nuovamente. Dopo Evil Selfie e Circondato dalle Tenebre torna con una horror-comedy rapida (undici minuti circa), frizzante nei dialoghi e spudorata nel suo essere (orgogliosamente) amatoriale. Difficile aggiungere altro rispetto a quanto scritto per i precedenti lavori, non vi è alcuna velleità artistica ma pura passione e voglia di far sorridere. All’ennesimo lavoro similare, la passione può essere ancora sufficiente per invogliare lo spettatore a digerire la visione? Ancora sì, anche se con un passo indietro rispetto ai già citati cortometraggi. Questo perché i “lunghi” inseguimenti per le strade medievali di Narni e Calvi rompono la verve ironica, con il nobile intento di esaltare le bellezze dell’Umbria, ma con il dazio da pagare della rottura della linea comica.

Il cast è palesemente divertito (Serena Meloni, Giovanni Tasca, Maurizio Bolli, Nicoletta Nardini) e non si imbarazza nemmeno nella difficoltà di proferir verbo con dei dentoni in bocca; azzeccata anche la chiusura con il brano “Siamo tutti Dracula (1980)” della rock band bolognese Luti Chroma. Apice del divertimento, la visione del film al cinema, in cui si gioisce dello scambio di battute tra il (futuro) padre e la ragazza che si era “dimenticata” di comunicargli di non prendere più la pillola da tempo.

Ultimo della trilogia dedicata allo psycho-horror dopo Skizophrenia e Claustrophobia, questo Nyctophobia racchiude tutti gli elementi toccati da Francesco Longo nei capitoli precedenti. Un uomo torna a casa, svolge le sue solite abluzioni serali, si infila nel letto, guarda un po’ di televisione prima di dormire. Almeno queste sono le premesse.

Le paure prendono forma nella mente del protagonista, con sembianze di oscure presenze atte a sconvolgerne il sonno … e la mente.

Elementi già visti nei precedenti capitoli ma sempre adeguati a sussurrare inquietudini nello spettatore. Ancora una volta privo di  dialoghi, Nyctophobia vive dell’ansia generata dalla telecamera, capace di sapersi muovere adeguatamente per trasmettere paura, stress, angoscia e perdita di controllo. L’insieme risulta convincente grazie anche alla bella interpretazione di Roberto Ramon nei panni del protagonista (che prima di andare a dormire guarda Insane), così come risultano piacevoli i vari richiami ai grandi horror storici, primo fra tutti il chiaro riferimento alle gemelline di The Shining.

Rispetto agli altri due corti, in questo Francesco Longo calca la mano sulle tinte demoniache, anche se sapere che dietro al demonio si cela il viso di Roberto D’Antona fa forse più sorridere che terrorizzare. Non che l’attore non abbia saputo calarsi nella parte, ma lo fa in maniera fin troppo gaudente; entusiasma più Michael Segal con un solo frame, che questo allegro bicornuto.

Nyctophobia, la paura del buio, paura atavica conosciuta da tutti i bambini, non sempre dimenticata da adulti. Tutti gli elementi di cui abbiamo più paura si incarnano nelle presenze che si aggirano nel buio e, accavallandosi nella nostra mente, prendono vita davanti ai nostri occhi, per poi scomparire all’accensione della luce. Bella consolazione, la luce, magari le nostre vere paure e gli orrori presenti nella società potessero scomparire al risveglio … o con la luce del sole.

Campagna assolata, due ragazzi di fronte ad un cellulare, La loro allegria racchiusa in uno scatto, un selfie, che ne cattura il momento ma … non sono soli. Nella foto appare una strana figura, una ragazza che ne inquieta la vita. Si tratta di Isabella, una giovane trovata morta in campagna poco tempo prima.

Circondato dalle tenebre è stato un buon palcoscenico per Eros Bosi, un lavoro diretto a quattro mani con Lorenzo Buscaino, e adesso è giunto il momento per il regista ternano di staccarsi dal supporto altrui e seguire una strada in solitaria. Evil selfie, inizialmente stupisce negativamente, sembra uno dei cortometraggi indipendenti eccessivamente amatoriali che circolavano una decina di anni fa: attori più che altro macchiette, effetti visivi per coprire magagne registiche e scenografie raccattate dal giardino del proprio vicino di casa. Con il passare dei minuti, però, la vena ironica esplode e Evil selfie si rivela per quello che è: un ironico sfottò della moda dei selfie, dei musi immancabilmente immortalati a culo di gallina.

Sotto quest’ottica, con il divertente equivoco finale a coronare l’idea di base, il lavoro scritto da Eros Bosi e Luca Alessandro (The e.n.d. – The movie, Questione di sguardi) risalta positivamente nell’ambito indie italiano, ambientando nella città di Terni un breve sipario che ha come cammeo anche uno spezzone interpretato da Gene Gnocchi.

Una ragazza riceve un’inquietante bambola proveniente dal fidanzato morto. Un feticcio che, con il suo sguardo immobile e con il suo orrendo sorriso, traumatizza la donna fino a portarla ad uccidere il fidanzato manesco e la sua migliore amica. Ma stanno davvero così le cose? Forse no.

Forse la protagonista è una psicopatica completamente impazzita e dalle molteplici personalità, che si è mandata da sola il pacco. Il regista, Angelo di Noia, vuole sottolineare gli effetti della pazzia sulla mente della ragazza che, fortemente disturbata, non distingue più la realtà dalla finzione, l’illusione dal mondo tangibile. Un unico momento di lucidità la porta a rendersi conto di quanto fatto, mentre una nenia asfissiante aleggia nelll’aria.

The evil doll trasporta un messaggio non troppo esplicito, giocando a nascondersi dietro la mancanza di un budget adeguato. La trama si accartoccia su se stessa con un’inutile telefonata interpretata malissimo, unico elemento che sembra voler spiegare tutto quanto. Peccato che anche la telefonata risulti eccessiva, poco realistica e, quindi, di nessun impatto emotivo.  Basta un particolare che si ripete a farci capire che la protagonista è fuori di testa: il dondolio tipico dei pazzi dei disadattati, così come dei bambini che nel dondolarsi cercano consolazione.

Angelo di Noia riveste questo cortometraggio di una patina old style, come a volerlo ambientarlo negli anni ’50, con sgranature e alterazioni dei frame, esagerando senza criterio. La recitazione è pessima (e il regista lo sa fin troppo bene), cascando in un trash che si può apprezzare solo sapendo prima la materia che si sta per affrontare. Materia che sembra molto cara al regista.

Posticipato nel 2017 Deep Shock, il regista romano impiantato in Spagna, Davide Melini (La Terza Madre, Penny Dreadful), si sta dedicando ad un horror atipico e, al contempo, dallo stampo classico: Lion. ”La paura piú grande dell’uomo é pronta a tornare!“

Nel seguito la trama:
Uno chalet isolato in una foresta innevata… Un uomo accecato dall’alcohol… Una donna incapace di ribellarsi… E un bambino di 8 anni, con un viso cupo e due occhi oscuri… Il silenzio della notte sará squarciato da grida mortali… L’incubo ha inizio.

Diretto con la Red Epic Dragon a 6K, il film di cui potete vedere il teaser trailer qui, presenta un cast di tutto rispetto, Pedro Sánchez, Michael Segal (Colour from the Dark, Anger of the Dead), Tania Mercader, e una produzione di tutto rispetto: Luca Vannella (“Thor”, “Harry Potter”, “Apocalypto”, “Heart of the Sea- Le origini di Moby Dick”), Alexis Continente (“Thor”, “Penny Dreadful”), Vincenzo Mastrantonio (“Titanic”, “Moulin Rouge”, “La passione di Cristo”, “Romeo + Giulietta”), Bobby Holland (“Il cavaliere oscuro – Il ritorno”, “Game of Thrones: Il trono di spade”, “Assassin’s Creed”, “007 – Quantum of Solace”), Ferdinando Merolla (“Troy”, “Gangs of New York”, “Hannibal Lecter – Le origini del male”), Roberto Paglialunga.

Troupe
Produttrice Esecutiva: Fabel Aguilera
Direttore di Produzione: Pablo Lavado
Direttore della Fotografia: Juanma Postigo
Casting: Carlos Bahos
Scenografia: Carlos Borja Luise, Carlos Javier López
Costumi: Patricia Gabas
Effetti Speciali: Sarah McCarthy
Montaggio: Daniel Salinas
Suono: Christian Valente
Musica: Francesco Tresca
Effetti Visivi: Alessio Barzocchini, Raúl Trujillo, Francesco Longo

Tre amici si frequentano con regolarità, quando uno di loro, Alessandro, rompe la consuetudine piantando in asso gli amici di sempre al consueto appuntamento delle 18, senza una giustificazione sensata. Riccardo e Francesco decidono di andare a fondo, scoprendo il segreto dell’amico.

Quando Riccardo e Francesco iniziano a pedinare Alessandro, scoprono rapidamente come quest’ultimo stia tentando di affiliarsi ad una setta, il cui rito di iniziazione prevede un omicidio. La scelta di Alessandro ricade su uno dei compagni della combriccola, disegnando un piano la cui riuscita è minata dalla scoperta degli amici.

Va bene, parliamo di cinema indipendente, low-budget, raffazzonato, sperimentale, autarchico che dir si voglia. Il rischio di scivolare paurosamente non solo nel dilettantesco ma anche nel patetico c’è, si cela dietro l’angolo; è facile ritrovarsi a visionare pellicole che sono puri esercizi o divertissement. In casi come questo, tuttavia, non mancano solo possibilità o soldi. Si può sorvolare su una sfilza di elementi, soprattutto prettamente tecnici, ma non è possibile giustificare l’assenza di logica o buon senso.

Purtroppo Aeternae Tenebrae, ricade in questa casistica: si tratta di un lavoro basato su una trama e una sceneggiatura che non stanno in piedi. Sebbene ci sia un tentativo di creare un intreccio sensato e di mantenere viva l’attenzione dello spettatore attraverso vari colpi di scena, il regista perde di vista la giusta direttrice, presentando illogicità e forzature. Il lavoro, infatti, manca di sufficiente realismo e razionalità; citando qualche elemento: una setta che si incontra all’aria aperta e in pieno sole non è credibile; un adepto che si porta dietro un testimone; una pessima scelta della location (quella più a portata di mano?) e così via fino alla scena madre, il sacrificio, dove vediamo due ragazzi che, sebbene stiano per essere uccisi, restano in composto silenzio.

Con un cast raramente in parte, escluso forse proprio il regista e l’uomo a capo della setta, capace di emergere (e respirare) anche da dietro la maschera, Andrea Gentili soccombe sotto la mancata coerenza della trama, mostrando invece capacità nell’uso della telecamera, con un paio di inquadrature particolarmente azzeccate.

Uno strano supereroe venuto da una galassia sconosciuta agli uomini accorre ogni volta che serve aiuto. Angelo di Noia, mostra le sue capacità di attore, regista, montatore, e curatore. Difficile aggiungere altro, perché altro non c’è. Manca di un filo logico, non c’è un storia, non c’è stile e, fondamentalmente, non c’è una motivazione in grado di dare significato a queste immagini che scorrono ognuna senza alcun legame che le colleghi  l’una all’altra.

Impossibile giudicarlo, impossibile racchiuderlo in un genere o affibbiargli un’etichetta in grado di identificarlo. Non sto lì nemmeno a chiedermi quanto sia trash, perchè non c’è nulla che me lo possa giustificare. Ma, probabilmente, al regista questo non importa. Angelo di Noia ha, infatti, creato un corto volutamente senza senso, esasperando l’assurdo e il paradosso.

Dice di essersi ispirato a film come The Incredibly Strange Creatures Who Stopped Living and Became Mixed-Up Zombies, Rat Pfink a Boo Boo e Manos The Hands of Fate e, quindi, di aver tentato di realizzare un lavoro quanto più trash possibile. Non credo, tuttavia, che cercare di ricreare una scena partendo dai suddetti film implichi uno esercizio maturo, tale da entusiasmare chi lo guarda. Anzi, nonostante una voce narrante snervante, alcune scene assurde e un paio di tentativi di effetti speciali, Morteman annoia.

Apprezzabile la battuta finale che, per lo meno, caratterizza il protagonista: un supereroe stronzo al servizio della gente, ma solo se e quando gli pare. Inclassificabile.

Lumi è una ragazzina di 10 anni che cresce sola, con una nonna ipnotizzata dalla tv, e deve imparare presto ad essere autonoma e autosufficiente. Emarginata dal mondo e dai ragazzi del paese, trascorre i giorni in solitudine finché non trova un’amica nella sua ombra.

Le parla, ci gioca insieme fintanto che l’ombra stessa sembra prender vita, con effetti paurosi, specialmente agli occhi della ragazzina.

Shadow è un cortometraggio dove risalta la prova della protagonista, sveglia e consapevole, la piccola Lumi Tagliavini, che sa mettere bene in pratica le direttive del padre Edo. Questo è nascosto dietro la telecamera e presente nel corto e, rimanendo nell’ombra, appunto, fa in modo di iniettare la giusta dose di inquietudine al lavoro.

Edo Tagliavini bazzica nell’horror indipendente italiano da tempo, sapendosi ritagliare il giusto spazio e sbracciandosi per emergere ma, viste le premesse, la figlia Lumi riuscirà prima a metter fuori la testa.

C’era una volta un uomo, che forse senza averne la più pallida idea, diede vita ad una creatura anarchica e primordiale … lo zombie! Da quel giorno, questa putrida rappresentazione di una società infetta e marcia, ha ispirato centinaia di filmakers in giro per il mondo.

É successo così, che lo zombie macilento e claudicante, ha attraversato gli anni, terrorizzando gli spettatori con la sua noncuranza per la morte. La fame, la brama, l’accanita ricerca di un brandello vitale da suggere, rendono lo zombie una creatura mostruosamente umana.

Tra le fosche nebbie verdastre e mefitiche, scorgo in movimento, spettrali figure. Ne emerge una. Negli occhi lattiginosi scorgo un debole sussulto. Mi porge un foglio stropicciato e lordo. Lo afferro. Sulla carta inzaccherata di sangue rappreso c’è scritto: “E.N.D. – The Movie. Recensire.” Alzo lo sguardo. Lo zombie mi ha già dato le spalle e zoppica verso la bruma nefasta … eppure quasi mi pare di sentirlo ridacchiare. Ed ora, la recensione.

E.N.D. – The Movie in principio fu un cortometraggio. Il piccolo embrione girato da Luca Alessandro e Allegra Bernardoni, fu supervisionato da Federico Greco, che ne curò anche la fotografia e il montaggio. Ma il film non poteva di certo finire lì. Ecco allora che la creatura palpitante rompe gli argini del minutaggio e si fa carne da film. E.N.D. – The Movie muta, diventando un organismo multiplo.

A dirigere la creatura troviamo Luca Alessandro e Allegra Bernardoni, sostenuti dalla solida regia di Federico Greco e il visionario occhio di Domiziano Cristopharo. I Quattro registi cuciono, assemblano e modellano un film che si sviluppa nel tempo. Ogni zombie movie che si rispetti ha un’origine, conosciuta o meno. Sfiatatoi che perdono dubbi miasmi, sorci inferociti e bavosi o fagioli magici caduti dal cielo… ognuno fa quel che può. E.N.D. – The Movie punta su una partita di droga tagliata (permettetemelo!) di merda e Regina Orioli ben presto si accorge che la botta è un po’ più forte del dovuto.

Il primo morso è tratto. La piaga inizia a dilagare.

Fluiamo così da un’agenzia di pompe funebri ad una cascina desolata e teatro di un mostruoso concepimento, sino ad un epilogo che non precipita nella solita fossa ormai invasa di cadaveri, ma cerca una strada alternativa, trovandola. E.N.D. – The Movie, è una creatura che si dibatte per trovare la sua identità in un genere che ha saccheggiato e depredato la matrice originaria.

Ci riesce? Direi di si.

I vari brani del film si amalgamano tra loro, creando un filo temporale che tiene e non si logora. Merito anche della solida mano di Antonio Tentori. Le varie personalità registiche si sentono, si agitano, soprattutto quella di Cristopharo che firma la regia della cruda e delirante fusione embrionale.

E’ nell’epilogo però che la storia afferma la sua voce. In un mondo ormai deformato, gli zombie hanno preso coscienza di se. Hanno sviluppato una società che sembra quasi voler liberare i vivi dalla loro prigionia mortale.

Un plauso da parte della sottoscritta, va alla realizzazione del make-up degli zombie. Da donna sostengo il motto che “Il trucco fa miracoli”! Il naso però lo storco per gli effetti digitali… credo che E.N.D. – The Movie non ne abbia davvero bisogno!

Credo che si possa scegliere di vivere per un’infinità di buoni motivi. Credo altresì, che si possa scegliere di morire per il fallimento di quei buoni motivi. Eppure, nonostante la dilagante angoscia che rode l’animo, mettere in pratica il proprio disegno di morte non è semplice.

Le mani tremano, il coraggio viene meno, il sangue freddo svanisce al contatto della lama affilata con la pelle sottile dei polsi. Ecco allora che bussa alla porta la soluzione. Apritela. Potreste trovare il coraggio di affrontare i vostri demoni, da vivi. Oppure, potreste trovare una donna.

Life. Love. Regret di Federico Scargiali, crea uno strappo nel silenzioso mondo degli aspiranti suicidi, e da vita ad una strana realtà; fatta di persone qualsiasi che nutrono il desiderio di porre fine a se stesse, ma incapaci di andare fino in fondo. Scargiali modella una figura. Una donna. Algida e silenziosa. E’ lei che raccoglie le richieste di morte. E’ lei che senza dire una parola guida la mano tremante del suicida.

Una storia cruda, asciutta e mirata. Ottima, anche se rischiosa, la scelta di fare parlare le immagini al posto degli interpreti. Notevole l’interpretazione di Eileen Daly, che porta in scena una presenza materna, al tempo stesso logorata e temprata dal dolore. Life. Love. Regret è un buon lavoro. Si affida ad una storia che affonda, morte dopo morte, verso un pozzo di dolore. Eppure il passo non cede mai a stucchevoli ammiccamenti.

Fredda e tagliente come una lama, la storia arriva fino in fondo, recidendo ogni speranza. Un plauso di merito ad una squadra che mette in opera una buona prova; in grado di lasciare la sottoscritta (poco incline al complimento) visibilmente soddisfatta!